Séries

Mad men

Fui atraído pela ideia de iniciar Mad men (Idem, 2007-2015) com a proposta da série em retratar a rotina de uma agência publicitária americana nos idos dos anos 1960. Como formado na área de Letras, meu interesse pela palavra e pela imagem e seu mais variado uso pelas áreas do conhecimento humano invariavelmente passa pela propaganda. Ao saber que Mad men mostrava os bastidores do mundo publicitário, pensei, por um momento, que acompanharia os processos de criação de uma propaganda e as consequências de sua veiculação.

Pobre de mim.

Não que a série tenha me decepcionado nesse nível. Em diversos episódios, é possível conhecer os procedimentos utilizados para se convencer, em primeiro lugar, os executivos da empresa que pagarão pelos anúncios a serem produzidos, e, depois, o grande público, aquele que consumirá o produto vendido.

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Imagem: Lionsgate Television, Weiner Bros., AMC, 2007-2015

Porém, Mad men é uma narrativa profunda, vai muito além da casca publicitária, da rotina nova-iorquina do pós-guerra. Enveredar por seus episódios é aprofundar-se em personagens rasos e complexos – rasos em caráter, complexos psicologicamente; é ver-se em um redemoinho de reflexões sobre como nos consideramos meros produtos em uma loja – pior, em uma propaganda -, como nos tornamos os produtos que almejamos obter.

Alie, agora, todo esse pano de fundo com um tratamento visual apurado. Claro, seria no mínimo irônico assistir a uma série que tem como temática principal a imagem das coisas (coisas-objeto, coisas-produto, coisas-pessoa) se essa não prezasse por sua própria imagem.

Alie, também, a atuação de cada profissional ali presente para trazer à vida personagens, como já disse, muito rasos em suas imagens próprias, mas abismais em seus complexos e problemáticas pessoais. Alie, por fim, dois elementos que funcionam como combustíveis para a narrativa completar-se em uma obra audiovisual digna de prêmios – como todos que merecidamente colecionou – e, mais importante ainda, de nossa atenção: os contextos históricos de cada década pelas quais Mad men passa – os falsos inocentes e morais anos 60, os exóticos anos 70, os decadentes anos 80 – e, talvez acima de tudo em determinados episódios e cenas específicas, a apurada trilha-sonora.

O vazio

Talvez, além da imagem, a temática mais trabalhada ao longo das sete temporadas seja o vazio inerente ao ser humano. Presente em todos nós, em maior ou menor grau, o vazio tonifica-se aqui devido ao meio em que os personagens se encontram: cidade grande, rotinas automatizadas, meio capitalista de produção e consumo de itens descartáveis para uma sociedade refém do descartável. Dificilmente haverá, ali, alguém preocupado com algo além das próprias roupas, cabelos, sapatos, bolsas, maquiagens. Porém, o jogo temático de Mad men já começa por aí: achamos, como plateia, que ali não há personagens com personalidade, apenas fantoches manipulados por uma indústria fadada à falência.

Mas é o vazio que realmente importa.

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Imagem: Lionsgate Television, Weiner Bros., AMC, 2007-2015

Assim, em diversos episódios, é possível notar cenas escritas apenas para explorar esse vazio que emana do personagem, do meio em que se encontra, dos assuntos que trata com outros personagens ou tudo ao mesmo tempo. Vemos, portanto, cenas com o protagonista contemplando o horizonte cinza de Nova York a partir da janela de seu escritório; os céus a partir de um cenário externo, no campo; o mar a partir da praia onde finge estar em férias com a esposa; a piscina azul e convidativa do hotel no qual se hospeda para criar mentiras confortáveis a seus clientes e pessoas com quem deseja se relacionar para preencher vazios dentro de vazios. E os vazios encontram-se também, mais perigosos ainda, nos espaços fechados: o sócio tentando suicídio dentro do carro fechado, o sócio enforcando-se dentro do cubículo onde trabalha, as traições conjugais dentro de quartos de hotéis, dentro de carros, dentro do apartamento da vizinha. Não à toa, a própria abertura mostra o publicitário caindo em um redemoinho de propagandas (mentiras) em direção ao nada branco (vazio), para, logo depois, cortar a cena e dar um zoom out que sai das costas desse publicitário – e ele está, vejam só, contemplando, vejam só, o vazio novamente.

Mad men, então, ao trabalhar com esse vazio inerente, jogará com o público a partir de seus julgamentos morais. Apesar de casados, protagonistas e personagens secundários traem seus respectivos parceiros. Apesar de comprometidos com determinada empresa, protagonistas e personagens secundários encontram-se com a concorrência para possíveis acordos profissionais mais vantajosos. Apesar de possuírem determinadas convicções político-sociais e convicções religiosas, protagonistas e personagens secundários dançarão conforme a música ditar e o dinheiro cair na conta. Não há como negar que esse vazio é algo atraente, ainda mais quando alia-se a temática com o visual chic do decadentismo banhado a glamour vintage, com a presença de cigarros acesos, taças de vinho, ambientes esfumaçados e todo um clima de cinema noir.

Não há como negar também, como consequência de toda a construção narrativa da série, a atração que surge em nós para cada personagem.

Joan

Assim como Peggy, a qual tratarei com detalhes mais adiante, Joan Harris possui um arco narrativo de ascensão. Apesar de ser apresentada logo de início como alguém subalterna dentro da agência, sua posição ainda impõe um determinado poder sobre diversas personagens – essencialmente femininas -, o que cria um apelo certeiro ao público.

Há um misto de poder com fragilidade em  Joan.

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Imagem: Lionsgate Television, Weiner Bros., AMC, 2007-2015

Sua principal defesa dentro daquele meio social intricado é impor-se com palavras que corroem e olhos que perfuram. Aos homens, fica também reservado seu visual proeminente, com direito a cabelos e lábios vermelhos como fogo e peitos naturalmente avantajados, uma distração quase publicitária para homens heterossexuais com infindáveis dólares em suas carteiras.

Por dentro, porém, Joan encolhe-se diante da impossibilidade de manter um relacionamento fixo, idealizado por ela mesma em diversos momentos, mas que não passa de uma propaganda própria para se iludir – todos nós precisamos de um sonho inalcançável para acreditarmos em um sentido na vida, mesmo que esse sonho e, consequentemente, o sentido, não exista.

Roger

Cínico, realista e atraente por todos os motivos errados.

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Imagem: Lionsgate Television, Weiner Bros., AMC, 2007-2015

Dentre todos os personagens apresentados por Mad men, um dos principais sócios da inicialmente Sterling-Cooper talvez seja o mais honesto – mesmo que cultive, ao longo dos anos, a imagem do canalha sem conserto. Honesto pois, ao ser cínico, trabalha com acidez as verdades que muitas vezes precisam ser realmente ditas; ao ser realista, mantém-se no poder econômico no qual se encontra e, claro, não deseja perder; ao permanecer atraente, mesmo sendo mais velhos que os demais, trabalha a imagem-própria a seu favor.

O conjunto, portanto, é apelativo demais para se deixar passar batido.

Peter

Egoísta.

Não há adjetivo melhor para Pete Campbell.

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Imagem: Lionsgate Television, Weiner Bros., AMC, 2007-2015

Talvez poderíamos incluir aqui também a ambição como parte principal de sua composição como personagem, mas, mais cedo ou mais tarde, ela também transforma-se em egoísmo. Se seu cliente não está contente, é porque a agência não acredita em seu potencial; se decidem por alterar os trâmites de uma determinada negociação, é porque a conta é dele; se seu casamento desmoronou e a relação com sua filha é tênue, é porque ninguém o compreende.

O eterno adolescente.

Betty

Não há como não suspirar ao pensar em Betty Draper.

Ela é, com toda a certeza, a personagem-modelo para a ideia que comentei logo no início sobre Mad men trabalhar com a imagem de cada personagem para que pensemos justamente no vazio intrínseco à história.

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Imagem: Lionsgate Television, Weiner Bros., AMC, 2007-2015

Aqui temos um arco clássico de ascensão e decadência. A fútil mulher suburbana, loira, rica, dona-de-casa e refém do marido e filhos. Impossível não olhar para Betty e sua existência e não pensar em Ana, a complexa, mas aparente fútil, personagem de Clarice Lispector para seu grandioso conto “Amor”. Um dia, Betty Draper também assiste ao cego mascando chicles. Um dia, os ovos na sacola de crochê de Betty também caem por causa do solavanco do bonde. Um dia, Betty Draper também entra em uma epifania.

E como é saboroso acompanhar o amor e o ódio que disputam lugar em nós enquanto acompanhamos sua subida e inevitável descida. Acompanhar seu fim pode deixar um gosto amargo, mas jamais indigno.

Peggy

Inicialmente a doce, inocente, ingênua e, muitas vezes, burra Peggy nos encanta com seu olhar cheio de brilho, daqueles que pertencem à adolescente forasteira, daquela de repente morando na cidade grande, trabalhando numa respeitosa e emergente agência de publicidade, secretária do já lendário e eternamente misterioso Don Draper.

Porém, o que parecia o enredo de A redoma de vidro, de Sylvia Plath, torna-se algo inesperado com a primeira quebra narrativa que a personagem sofre ao ver-se grávida e, sem (aparentemente) remorsos, consequente desejo de livrar-se do próprio filho – seu futuro profissional não comporta uma criança. E, ao longo das sete temporadas, o público acompanha mais e mais quebras narrativas em Peggy. Apesar de sua casca de personagem óbvia, Peggy nos prova que, cada vez mais, vai se tornando seu pior nêmesis: a figura de homem frio cristalizada em Don Draper.

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Imagem: Lionsgate Television, Weiner Bros., AMC, 2007-2015

Aliás, a grande importância no enredo de Peggy é a necessidade (assim como Joan, em um menor nível) de tornar-se um homem – não literalmente, claro, mas ser considerada de igual para igual dentro do ambiente profissional no qual vai galgando novas posições conforme suas habilidades são demonstradas e provadas arduamente. Estamos, inicialmente, nos anos 1960, e nos anos 60 é preciso ser homem para ser alguém.

(Não que hoje seja diferente)

Também funcionando como alívio cômico – na maioria massiva das vezes, destilando um humor involuntário no público que prova mais uma vez a elegância da produção da série -, Peggy vai se equilibrar (e desequilibrar) na linha tênue entre submissa silenciosa e tirana irremediável. O poder sobe à cabeça de todos, é óbvio. E é divertido observar como ela vai lidar com tal fato.

Don Draper

Falar sobre Don Draper renderia muitas linhas. Mas tentarei ser conciso.

Sua imagem dentro da série é a canalizadora de todas as temáticas abordadas nos demais personagens ao longo das temporadas.

Frio, soturno, talentoso e atraente, Don Draper cresceu em ambientes e vivenciou situação ao longo da vida que se tornam ingredientes minuciosos na composição de seu eu publicitário. Ele precisa inventar verdades, como o subtítulo da adaptação brasileira do título nos diz, e, para isso, precisa saber mentir bem. E ele sabe.

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Imagem: Lionsgate Television, Weiner Bros., AMC, 2007-2015

Seu talento, portanto, é um constructo cuidadoso proveniente não apenas das estratégias que usa para convencer seus clientes a pagarem por mentiras a serem contadas sobre seus produtos (a mentira na mentira, um mise en abyme inevitável), mas também das mentiras que conta às suas esposas, às suas amantes, aos seus filhos, aos seus colegas de trabalho e, principalmente, a si mesmo.

Don Draper não é importante para a série apenas por ser homem, engomadinho, sexy, talentoso e um mentiroso nato. Don é uma propaganda viva. E como tem consciência disso, usará todas as artimanhas disponíveis em si próprio e ao seu redor para que isso cause qualquer resultado, seja ele direcionado à agência, à sua família, às suas amantes, à sua conta bancária ou a si mesmo.

Don Draper é, portanto, cada um de nós.

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Pôster: The Refinery (fotografia por: Frank Ockenfels)

Mad men, criada por: Matthew Weiner; escrita por: Matthew Weiner, Jonathan Igla, Kater Gordon, André Jacquemetton, Maria Jacquemetton, Erin Levy, Carly Wray, Lisa Albert, Semi Chellas, Robin Veith, Dahvi Walter, Bridget Bedard, Tom Palmer, Chris Provenzano, Marti Noxon, Brett Johnson, Cathryn Humphris, Janet Leahy, Jonathan Abrahams, Victor Levin, Tom Smuts, Jane Anderson, Rick Cleveland, Andrew Colville, Keith Huff, Tracy McMillan, Frank Pierson, Jason Grote, Heather Jens Bladt, David Iserson; dirigida por: Phil Abraham, Michael Uppendahl, Jennifer Getzinger, Matthew Weiner, Scott Hornbacher, Lesli Linka Glatter, Tim Hunter, John Slattery, Andrew Bernstein, Alan Taylor, Chris Manley, Jon Hamm, Ed Bianchi, Paul Feig, Barbet Schroeder, Daisy von Scherler Mayer, Lynn Shelton, Matt Shakman, Jared Harris.

Com: John Hamm, Elisabeth Moss, Vincent Kartheiser, January Jones, Christina Hendricks, Aaron Staton, Rich Sommer, John Slattery, Kiernan Shipka, Robert Morse, Christopher Stanley, Jessica Paré, Jay R. Ferguson, Alison Brie, Jared Harris, Kavin Rahm, Mason Vale Cotton, Ben Fieldman, Mark Moses, Teyonah Parris, Stephanie Drake, Jared Gilmore, Talia Balsam, Marten Holden Weiner, Elizabeth Rice.

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Filmes

Spotlight: segredos revelados

Talvez uma das misturas mais nocivas à humanidade ocorre entre religião e instituição. Crer em um ser supremo que dita regras e versar sua vida através dos ensinamentos deste mesmo ser é um direito livre a qualquer ser humano; os problemas, porém, surgem quando um grupo é composto para organizar a religião, primariamente livre, em algo semelhante a uma empresa. Essa empresa vai precisar manter uma imagem, ter aqueles que mandam e aqueles que obedecem e, por último, mas não menos importante, vai acobertar segredos para não gerar polêmicas com o público-alvo. Não é de hoje, portanto, as notícias sobre abusos sexuais cometidos por padres católicos. Há sempre um caso aparecendo aqui e ali, e depois, como algo costumeiro e absolutamente normal, a reação da Igreja informando publicamente que tal padre foi transferido para outra paróquia ou foi afastado de suas funções. O problema mais intenso dentro dessa situação, no entanto, não é costumeiramente tratado pela imprensa ou discutido pela sociedade: como fica o outro lado? Como as vítimas reagem após o abuso? Como elas sobrevivem ao trauma?

Baseado em fatos reais, o filme de Tom McCarthy parte desse gancho para dissecar casos de pedofilia e abusos sexuais cometidos por padres em Boston, nos Estados Unidos, um problema que possui tentáculos maiores e mais enrolados do que qualquer jornalista investigativo poderia supor. Spotlight: segredos revelados (Spotlight, 2015) não é daqueles filmes maniqueístas, feitos para o espectador espumar de raiva e bradar aos quatro ventos impropérios contra os denunciados ao longo da história, mas possui um elemento inteligente e primordial para ganhar a atenção daquele que o assiste: tensão. E a tensão está presente em diversas camadas do longa: na fotografia um tanto insaturada de Masanobu Takayanagi, na trilha melancólica de Howard Shore, na composição corporal atarracada de Mark Ruffalo para seu personagem, na montagem que privilegia o ritmo da investigação e seus desdobramentos complicados.

Imagem: Anonymous Content, 2015

Com a chegada de um novo editor no jornal, Marty Baron (interpretado por Liev Schreiber), a seção “secreta” do escritório conhecida como Spotlight recebe como missão a retomada de uma reportagem sobre casos de pedofilia nos anos 70. A princípio com reações negativas de outros jornalistas do The Boston Globe, os responsáveis pela coluna decidem seguir em frente com as investigações, principalmente depois de analisarem os dados e observarem que o problema não estava concentrado apenas em casos isolados. O filme de McCarthy, então, vai além, mostrando os diálogos dos jornalistas com os adultos que, à época, foram as crianças sob o poder de padres pedófilos. É em momentos como esses que o longa vai pontuando sua tensão, como quando a jornalista Sacha Pfeiffer (interpretada por Rachel McAdams) conversa, em um parque, com uma das vítimas e esta, ao olhar ao redor, nota a presença de uma igreja, ao fundo, e diz “e é claro que tem uma igreja perto enquanto revelo tudo isso”; para deixar o momento mais amargo, a câmera de Tom McCarthy focaliza um parquinho infantil, com crianças se divertindo, a poucos metros da igreja. É como se o filme avisasse: cuidado com associações, nós estamos aqui ao fundo, sempre vigiando.

Um dos pontos mais fortes do filme é, sem sombra de dúvida, as atuações. Em destaque, as de Mark Ruffalo e Michael Keaton, representantes de polos opostos no ambiente de trabalho que habitam (quase que literalmente): enquanto aquele constrói uma linguagem corporal do jornalista novo, cheio de gás, mas que, ao mesmo tempo, já sente o peso da rotina desgastante de um jornalista investigativo, este é o profissional seguro, aquele que pondera, que espera pelo momento certo para divulgar uma informação; e essa polaridade entre ambos culminará em um cena muito forte, em que cada um deseja agir de uma forma, levando todos, na mesma sala, a sentir faíscas saindo para todos os lados. É notório como os dois atores, de forma extremamente competente, vão representar isso com gestos quase imperceptíveis pela maioria do público, com Ruffalo andando sempre depressa, atarracado, o pescoço encolhido, as costas arqueadas, enquanto Keaton dá um ar de segurança e superioridade a seu Walter Robinson, falando em tom baixo, de forma calma, não perdendo a linha nem quando o enfrentam violentamente com palavras. Está aí, assim, a força motriz da trama, a engrenagem necessária para que a história flua antes mesmo de envolver temas ásperos.

Imagem: Anonymous Content, 2015

Paralelamente, o diretor e roteirista filma a cena do encontro do editor Marty Baron com o arcebispo de Boston destacando a linguagem corporal e o diálogo entre estes outros dois polos; se de um lado temos o representante da imprensa que vai denunciar os casos da Igreja (ou seja, vai jogar muita merda no ventilador), do outro encontra-se o representante não apenas da instituição católica, mas também de todo o seu poder, falando de maneira mansa, amigável, como se desse tapinhas nas costas enquanto empurra um livro de catequese por baixo dos panos – e esse detalhe realmente acontece, com Baron voltando para casa com um livro de catequese entregue em uma embalagem de presente cujas fitas formam uma cruz lúgubre.

Mas se o ritmo fosse pautado apenas pelos diálogos, Spotlight não fisgaria tanto o público como consegue ao apresentar uma montagem capaz de desenvolver ações concomitantes – a investigação de nomes de padres em uma lista ao mesmo tempo em que os jornalistas entrevistam as vítimas que foram abusadas na infância –, aumentando aí também a tensão da história a ponto de deixar os espectadores grudados em seus assentos, torcendo para que a tortura ideológica acabe logo, e acabe bem. É, no entanto, uma tortura necessária, um mal que só não será extinguido, mas ao menos denunciado. E o filme faz questão de deixar várias pulgas atrás de nossas orelhas: quem explora quem? O padre que acaricia as pernas do menino, dentro do carro, enquanto este tenta tomar um sorvete comprado pelo bondoso pároco? A Igreja, responsável por realizar acordos de preços exorbitantes para que o silêncio impere e nada saia do controle? Ou os próprios jornalistas, que só descobrem sua negligência no passado investigando no presente? Cabe, então, ao cinema, mais uma vez, servir de voz para denúncias tão importantes e necessárias como a de Spotlight. Assistir às revelações do longa é reagir da mesma maneira que a avó religiosa de Sacha, quando esta lhe mostra a enfim publicada reportagem-denúncia sobre os padres pedófilos: pedir um copo de água para quem está mais perto; nos olhos, a sensação de não querer mais acreditar no ser humano, ou pior, na capacidade de ser humano.

Imagem: Anonymous Content, 2015

Nota: os créditos finais listam todos os casos denunciados pela reportagem da Spotlight, na época que foi publicada; são numerosos e deprimentes, e tornam-se mais ainda quando encontramos três padres brasileiros listados. O perigo não tem nacionalidade.

Pôster: BLT Communications, 2015

Spotlight, dirigido por: Tom McCarthy; escrito por: Josh Singer e Tom McCarthy.

Com: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Brian d’Arcy James, Stanley Tucci.


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Filmes, Listas

Os 12 Melhores de 2015

Ano novo, lista nova.

Seguindo a tradição, eis aqui mais uma lista, agora dos melhores filmes que vi em 2015. Lembrando que esta lista não é um ranking (os filmes estão em ordem alfabética), mas uma compilação simples dos que considero os melhores do ano passado – sejam eles melhores por sua direção, roteiro, elenco, fotografia ou até mesmo pelo entretenimento propriamente dito.

Excetuando Boa noite, mamãe (Ich seh, ich seh, 2014), que ainda vai estrear oficialmente aqui no Brasil, e Relatos selvagens (Relatos salvajes, 2014), todos os demais filmes estrearam em 2015 nos cinemas brasileiros.

Se você quer dar uma olhada na lista dos melhores de 2014, é só clicar aqui.

1_Birdman

Birdman ou (a inesperada virtude da ignorância), 2014; dir: Alejandro González Iñárritu

Lembro que houve muita discussão na internet, há um ano, quando Birdman ganhou o Oscar de Melhor Filme. O favorito, claro, era Boyhood. Arrisco dizer que gostei um tanto mais de Birdman do que da saga de 12 anos do Linklater; obviamente não desmereço esta obra, principalmente por sua experiência cinematográfica única… mas Birdman tem um quê especial para cair nas graças das premiações. É um ótimo filme, com seu texto ácido, suas atuações explosivas e um plano-sequência (forjado, vamos ser honestos) atordoador. Michael Keaton no papel principal vai fazer você ter diversas reações e julgamentos ao que é verdade e mentira nesse longa cômico, dramático, aventuresco e, acima de tudo, cinematográfico.

Clique aqui para ver o trailer do filme.

2_Boa noite, mamãe

Boa noite, mamãe, 2014; dir: Veronika Franz e Severin Fiala

Se você pretende ver um filme de terror repleto de cenas com sangue jorrando, trilha sonora aumentando o volume repentinamente para pular na poltrona e assassino sendo descoberto no final, Boa noite, mamãe não é a escolha correta. O filme preza por algo que está cada vez mais raro no cinema atual: o velho filme de terror que assusta sem ser gratuito, aquele que brinca com nossos medos psicológicos, com os receios mais primitivos. A premissa da história pode até ser batida e a maioria das pessoas corre o risco de sacar a reviravolta do roteiro antes do momento certo, mas ainda assim vale a pena conferir esse filme estranho – porém competente no que promete cumprir.

Clique aqui para ver o trailer do filme.

3_Corrente do mal

Corrente do mal, 2014; dir: David Robert Mitchell

Com trilha sonora independente e eletrônica, ambientando o filme como se fosse uma peça rara dos anos 80, Corrente do mal tem todo o estilo cru de um John Carpenter. O vilão do filme, no entanto, é invisível, um serial killer transmitido através de um ato primordial para qualquer ser humano e que começa a se manifestar em uma das épocas mais conturbadas: a adolescência. Junte aí a fotografia inteligente e cortes seguidos por cenas perturbadoras. Se você esperar por um final redondinho, então é melhor parar por aí. It follows não se importa em entregar uma trama com começo, meio e fim, e isso já é muito relevante quando se trata de um terror americano.

Clique aqui para ver o trailer do filme.

4_Divertida mente

Divertida mente, 2015; dir: Pete Docter e Ronniel Del Carmen

Uma das inspirações para os filmes da Pixar sempre foi Hayao Miyazaki e isso sempre ficou claro, tanto para o espectador quanto para os próprios realizadores. Em Divertida mente, porém, a Pixar parece abraçar de vez as melhores influências que o mestre japonês da animação poderia passar e entrega um filme completamente adulto (mas, ainda assim, perfeitamente direcionado para as crianças). Acompanhar a pequena protagonista através de seus sentimentos não é apenas uma sacada que movimenta o filme do começo ao fim, mas sim tentar não se emocionar com diversos diálogos e, o principal, aprender que sem a tristeza, não seríamos felizes. Complexo demais? De forma alguma. Inside out traduz o que há de mais complicado em nossos cérebros da maneira mais lúdica e bonita possível. Filmão.

Clique aqui para ler a resenha do filme e aqui para ver seu trailer.

5_O homem irracional

O homem irracional, 2015; dir: Woody Allen

Assistir a um filme de Woody Allen no cinema é sentir-se em casa. Sabemos como ele começa, com seus créditos em ordem alfabética e uma música aconchegante tocando de fundo (um jazz sedutor), acompanhamos logo depois o personagem principal se apresentando através de uma narração off e, a partir daí, Allen pode nos surpreender. Me parece que o momento de inspiração voltou para o cineasta nesse O homem irracional, com uma atuação interessante de Joaquin Phoenix dentro de uma comédia repleta de ironias e diálogos filosóficos. A ironia principal fica para o final do filme. E vale a sessão.

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6_Jurassic world

Jurassic World: o mundo dos dinossauros, 2015; dir: Colin Trevorrow

A volta de uma das franquias mais famosas do cinema é sempre um terreno perigoso: para os fãs, que esperam sempre uma continuação melhor que a anterior; e para o estúdio, na expectativa de fazer milhões ou até bilhões na arrecadação. No caso de Jurassic world, tudo bem para todos. O filme trouxe o divertimento que faltava a Jurassic park III e o clima de aventura que Spielberg prezou no original. É claro que o filme cai sobre os ombros de Bryce Dallas Howard e Chris Pratt, mas ambos dão conta do recado – ou fugir de um tiranossauro rex usando saltos é pouco para você? Obrigatório para os fãs dos dinos.

Clique aqui para ler a resenha do filme e aqui para ver seu trailer.

7_Mad Max

Mad Max: estrada da fúria, 2015; dir: George Miller

Vamos chover no molhado e elogiar Charlize Theron e sua Imperatriz Furiosa? Falar bem da (proposital) fotografia acelerada? Da loucura que é acompanhar as perseguições e sequências de ação desse filme? Não importa se você não acompanhou os capítulos anteriores da obra de Miller, Mad Max: estrada da fúria é um filmaço. Não perca a oportunidade de ver um guitarrista fazendo solos enquanto é içado de um carro e a trilha sonora industrial de Junkie XL (o DJ responsável pelo remix de “A little less conversation”, de Elvis Presley).

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8_Missão impossível

Missão Impossível: nação secreta, 2015; dir: Christopher McQuarrie

Quem diria que em 2015 ainda veríamos Tom Cruise como o agente secreto Ethan? E o fôlego é grande, para o ator e para o público também. O filme é divertido o bastante e traz Cruise correndo (de verdade) como se não houvesse amanhã e presente (de verdade, sem dublês) em cenas de ação, digamos, um pouco perigosas – como se segurar à porta de um avião enquanto ele decola, por exemplo. E se você acha que a divulgação em massa dessa cena (em trailer e pôsteres) estraga o filme, está enganado: Nação fantasma ainda guarda muitas surpresas e sequências de ação de tirar o chapéu. Pegue a pipoca e prepare-se para ouvir mais uma vez o tema de Missão impossível tocando na tela.

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9_Que horas ela volta

Que horas ela volta?, 2015; dir: Anna Muylaert

O cinema nacional prova, a cada ano, a sua importância e qualidade com filmes como Que horas ela volta?. Enquanto a maioria das salas de cinema do país passam enlatados como Até que a sorte nos separe e afins, o novo filme da diretora Anna Muylaert surpreendeu não apenas pela sua abrangência, mas principalmente por sua repercussão. Repleto de diálogos cortantes e situações constrangedoras para as camadas sociais mais abastadas – ou não, gente rica sempre acha que está certa -, a obra é Regina Casé e vice-versa. Mas também é a jovem atriz Camila Márdila, roubando todas as cenas em que está presente. Se ver os filmes de Leandro Hassum é uma opção, Que horas ela volta? é uma obrigação cultural (num bom sentido, é claro).

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10_Relatos selvagens

Relatos selvagens, 2014; dir: Damián Szifrón

A linha tênue entre o racional e o selvagem. Quantas vezes pensamos em perder o controle nas mais diversas situações? Bem, o diretor Damián Szifrón faz questão de reunir diversos contos nesse longa surpreendente por sua qualidade técnica e humor negro. Prepare-se para presenciar uma das cenas mais inacreditáveis do cinema, se identificar com a vingança de uma noiva em sua própria festa de casamento e rir da desgraça alheia sem um pingo de culpa. A crítica social está injetada em todos os segmentos, então não pense que não há peso no roteiro de Relatos selvagens. Surpreenda-se com o cinema argentino.

Clique aqui para ver o trailer do filme.

11_Vício inerente

Vício inerente, 2014; dir: Paul Thomas Anderson

Joaquin Phoenix na pele de um detetive que vive mais chapado com maconha do que na realidade em si. Precisa de mais motivos para assistir a Vício inerente? Claro: a direção sempre maestral de PTA, com sua linguagem cinematográfica através da fotografia noir que registra uma Los Angeles dos anos 70. Isso sem contar a trilha sonora e a presença de cena mais do que bem-vinda da jovem Katherine Waterston. E o roteiro é baseado na obra homônima de Thomas Pynchon – anote esse nome para sua próxima leitura.

Clique aqui para ver o trailer do filme.

12_Whiplash

Whiplash: em busca da perfeição, 2014; dir: Damien Chazelle

Teste fatal para qualquer cardíaco, o filme que rendeu um Oscar para a embasbacante atuação de J. K. Simmons constrói sua tensão aos poucos, mas ela é inevitável da metade para o fim da projeção. Sinta-se na pele de um aprendiz que deseja ultrapassar a perfeição através do comando de um dos professores mais odiosos que o cinema já teve o desprazer de criar. O mais incrível? O diretor de Whiplash foi um dos roteiristas de O último exorcismo – Parte 2.

Clique aqui para ler a resenha do filme e aqui para ver seu trailer.

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Filmes

Star Wars: o despertar da força

Em 1977, ninguém esperava assistir a um filme recheado com efeitos especiais, heróis e vilões lutando com a ajuda de “espadas” luminosas e dois robôs constantemente discutindo – e um deles, inclusive, não emitindo palavra alguma. Parecia que a proposta do jovem roteirista e diretor George Lucas seria realmente um tiro no escuro, tendendo para uma aposta com saldo negativo. Quase quarenta anos depois, Star Wars é uma das – senão a – franquias mais bem-sucedidas de todos os tempos, dando-se o luxo de voltar à vida com mais uma trilogia sendo preparada para o cinema.

Meu ponto, ao pensar em escrever um texto sobre o episódio lançado recentemente, Star wars: o despertar da força (Star Wars: the force awakens, 2015), será analisar algumas questões que me incomodam atualmente; nem todas tem um sentido negativo, é claro, mas que, invariavelmente, colaboram para a perpetuação da saga nos cinemas e em todo o universo rentável possível.

Vamos ao filme em si, em primeiro lugar.

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Imagem: Lucasfilm / Walt Disney Pictures, 2015

O despertar da força é um filme divertido, sim. Traz sequências de ação muito bem dirigidas por J. J. Abrams (algumas, inclusive, se equiparam ou até transcendem àquelas vistas nos capítulos anteriores da saga), com direito a guinadas da câmera e um mise-en-scène bem preparado, não deixando o espectador perdido enquanto naves se perseguem e diversos disparos coloridos atravessam a tela de um lado a outro. Há também diálogos inspirados, com tempo para piadinhas bem colocadas, referências aos acontecimentos já registrados (“você disse um compactador de lixo?!“) e uma preparação de personagens para os próximos filmes da nova trilogia.

A fotografia também é algo a ser notado. Dan Mindel desenvolve um trabalho que se destaca, deixando os filmes anteriores para trás nesse ponto, já que George Lucas parece não se preocupar tanto com o significado das cores e o contraste entre claro e escuro – apesar de flertar com essas significações na trilogia nova, importando-se em registrar o jovem Anakin Skywalker entre as sombras enquanto adentra o lado negro da Força, por exemplo. A propósito, Mindel é um sujeito experiente, companheiro dos dois Star trek e um Missão impossível de J. J. Abrams, uma afinidade necessária ao entregar um filme tão importante para um grupo de fãs tão grande e atento quanto o de Star wars. Aqui, no entanto, Mindel vai além das obviedades, com seu ápice em uma determinada cena em que o vilão Kylo Ren e outro personagem conversam, em um ambiente predominantemente escuro, quando um facho de luz adentra através de uma abertura que ilumina o local ou quando Kylo Ren tem o rosto coberto por uma iluminação vermelha – enquanto o outro personagem não, evocando diversos símbolos em cena.

O despertar da força destaca-se também por seus efeitos práticos. J. J. Abrams acerta ao filmar em cenários e locações reais como em Abu Dhabi, Irlanda e até na Islândia e deixar de lado as telas verdes e seus cenários digitais. Há também uma quantidade bem grande de personagens manipulados por atores vestindo máscaras, assim como eram as espécies alienígenas que aparecem na trilogia original, excetuando-se a personagem Maz Kanata (criada em computação gráfica, com capturas de movimento a partir do rosto da atriz Lupita Nyong’o) e o vilão Líder Supremo Snoke (também criação digital, a partir dos movimentos de Andy Serkis, o eterno Gollum). Este, inclusive, causa um estranhamento devido a sua qualidade: entre tantos efeitos práticos, Snoke distancia-se ao mostrar-se como uma criatura completamente gerada em computador, lembrando as criações digitais de George Lucas para os episódios I, II e III, que não aparentavam verossimilhança. Já Maz (uma das melhores personagens do novo filme) é cativante o suficiente para nos enganar, parecendo mais real a cada frase dita ou trejeito realizado pela Lupita por trás da máscara de computação gráfica.

Por último, mas não menos importante, temos aqui dois protagonistas essenciais não apenas pelos papeis que desempenham na nova fase da saga, mas por serem uma mulher e um negro. Fugindo do estereótipo de que um herói precisa ser necessariamente um homem – forte e branco -, que irá salvar a mulher – fraca e também branca -, a heroína Rey (interpretada de forma segura pela estreante Daisy Ridey) faz questão de não dar a mão ao futuro amigo Finn enquanto foge de um perigo (“eu sei correr sem ter que dar a mão!“). Finn, por sua vez (interpretado pelo ótimo John Boyega), é responsável por movimentar a trama, além de ter um bom timing com humor.

Agora às questões.

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Imagem: Lucasfilm / Walt Disney Pictures, 2015

Analisando rapidamente, considero O despertar da força como uma mistura de Uma nova esperança, (A new hope, 1977) com A ameaça fantasma (The phantom menace, 1999). Não em termos de qualidade técnica, obviamente, mas em relação a dois pontos: sua estrutura narrativa, similar ao episódio IV da saga, e sua introdução de personagens, similar ao episódio I. Entendo que o novo filme precisa realizar duas coisas importantes tanto para a história da saga quanto para o lucro da Disney: juntar os fãs antigos ao apresentar personagens consagrados com as novas caras e, dessa forma, angariar mais fãs.

Não considero, por isso, que O despertar da força seja o melhor filme da saga. É um bom filme, repleto de elementos necessários a uma aventura digna de ser considerada Star wars. Mas, assim como em A ameaça fantasma, é preciso introduzir toda uma gama nova de personagens e suas histórias particulares; além disso, é necessário movimentar a trama com uma perspectiva – aqui, no caso, é a busca por Luke Skywalker e toda a subtrama que o levou a desaparecer – assim como era o futuro do próprio Luke em Uma nova esperança. Há, também, a necessidade de agregar personagens antigos e criar paralelos com os estreantes (se Luke era fielmente escudado por R2-D2, Rey também conta com a ajuda de um droide, BB8; se Darth Vader tinha Lorde Sidious como mentor do lado negro da Força, Kylo Ren conta com o treinamento do Líder Supremo Snoke e por aí vai…). Meu questionamento é: até que ponto essa reciclagem de personagens será benéfica para o desenvolvimento da nova trilogia?

A Disney, é claro, está faturando e vai faturar ainda muito mais. Investiu de maneira correta ao escolher um diretor competente naquilo que faz; teve a importante ajuda da produtora Kathleen Kennedy e contou com a presença de nomes de peso como Lawrence Kasdan no roteiro e os veteranos Harrison Ford e Carrie Fisher no elenco. Resta saber se, nos próximos filmes, veremos mais do que uma introdução a novos personagens. Que a Força esteja com todos nós.

Curiosidade: Daniel Craig interpreta um stormtrooper importante. Ah, e o nome dele é JB-007.

pôster

Pôster: LA, 2015

Star Wars: the force awakens, dirigido por: J. J. Abrams; escrito por: Lawrence Kasdan, J. J. Abrams e Michael Arndt.

Com: Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Adam Driver, Daisy Ridler, John Boyega, Oscar Isaac, Lupita Nyong’o, Andy Serkis, Gwendoline Christie.

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Que Horas Ela Volta?

Desde nosso “descobrimento”, o Brasil é um país composto por classes. Dos índios subjugados por colonizadores portugueses, espanhóis e holandeses, passamos para os negros africanos que suaram sob o estalar dos chicotes. Hoje, a população goza de oportunidades como o acesso à educação gratuita e empregos em todas as áreas. Vivemos em uma democracia, buscamos a igualdade entre classes, gêneros, raças e credos.

O que sabemos ser uma mentira.

É inegável perceber o incômodo presente em Que Horas Ela Volta? (2015). Incômodo esse que passa por toda uma classe média-alta obrigada a suportar a igualdade de direitos entre patrão e empregado. Como assim a filha da empregada doméstica consegue passar no vestibular? Como assim a filha da empregada, uma mocinha nordestina metida a besta, tem a ousadia ao dizer que vai cursar Arquitetura em uma faculdade pública? Lugar de filha de empregada é da cozinha para lá – palavras estas, inclusive, ditas literalmente por uma das personagens do filme.

Imagem: Gullane / África Filmes / Globo Filmes / Pandora Filmes, 2015

Imagem: Gullane / África Filmes / Globo Filmes / Pandora Filmes, 2015

Impossível negar, também, a qualidade presente no novo longa de Anna Muylaert (de Durval Discos, 2002, e É Proibido Fumar, 2009) ao abordar tais questões de maneira tão crucial, tão fluida, tão pungente. Se a diretora / roteirista nos faz questão de apresentar sua protagonista, Val (interpretada cuidadosamente, nos mínimos detalhes, por Regina Casé), logo de cara, como a verdadeira mãe de Fabinho (interpretado, na juventude, por Michel Joelsas), já nos preparamos para conhecer uma mãe biológica ausente, segura apenas de si mesma e suas responsabilidades profissionais; mas somos pegos de surpresa por uma personagem que vai além desse estereótipo da mãe distante: Bárbara (interpretada por Karine Teles, detestável o suficiente para fazer o sangue do público ferver) consegue alcançar o nível de uma pessoa que esconde seus verdadeiros sentimentos e julgamentos por baixo de uma carcaça boa, pacífica, a patroa gente boa – aquela que faz questão de dizer “olha só, que menina inteligente”, quando a filha da empregada tem a petulância de afirmar que vai prestar o vestibular da USP, apenas para agradar a mãe, a empregada que considera certo estar sempre abaixo dos patrões.

A câmera de Muylaert mantém-se fixa, assim, o tempo todo, permitindo-se discretos movimentos aqui e lá durante algumas cenas; afinal, o importante no desenrolar dos fatos são as personagens e as relações de poder entre elas. Enquanto Val sempre está disposta a acatar uma ordem dos patrões sem questioná-las por um segundo que seja, Bárbara é o lobo em pele de cordeiro atento aos mínimos movimentos de Jéssica (interpretada no ponto certo pela ótima Camila Márdila), enquanto essa parece conquistar a afeição de seu marido, Carlos (interpretado por Lourenço Mutarelli). O jogo de cena está então montado: Fabinho apega-se à Val desde criança pois essa é sua mãe de criação, aquela que irá lhe dar atenção e carinho por toda a vida; Jéssica, no entanto, não reconhece na personagem de Casé a figura materna pois ambas ficaram afastadas fisicamente. Quando a moça decide viajar a São Paulo para prestar vestibular, Val vê na situação uma oportunidade de reaproximação, enquanto Jéssica submete-se necessariamente por causa da necessidade.

Anna Muylaert, auxiliada pela ótima fotografia de Barbara Alvarez, compõe planos interessantes durante o longa: em certo momento, vemos Val na janela de seu quartinho, olhando para fora, enquanto a câmera posiciona-se atrás de grades, como se quisesse dizer ao espectador que a empregada está presa àquele trabalho, alienada a uma liberdade virtual, sempre medida pelos patrões. Em outra cena, Val conversa com a companheira de trabalho que a auxilia em determinadas tarefas domésticas, ao mesmo tempo que limpa uma vidraça. Quando a amiga a questiona sobre a filha, o rosto de Regina Casé se anuvia pelo sabão espalhado na vidraça bem em sua direção; Muylaert faz questão de posicionar a câmera no ângulo exato, deixando o rosto de Val distorcido enquanto reflete sobre viver distante da própria filha. São planos que conferem uma beleza à imagem proposta pela diretora, além de complementar de maneira elegante a narrativa.

Imagem: Gullane / África Filmes / Globo Filmes / Pandora Filmes, 2015

Imagem: Gullane / África Filmes / Globo Filmes / Pandora Filmes, 2015

O filme, no entanto, não funcionaria sem uma composição de personagens tão rica como a mostrada na tela. Por isso, decidi dedicar alguns parágrafos para cada um deles. (Caso você não tenha visto o filme e não deseja saber muitos detalhes sobre a trama, sugiro que assista primeiro o longa e, depois, volte para cá e conclua a leitura do texto. Os próximos parágrafos podem conter certos SPOILERS sobre a história.)

Val: onde já se viu? Filha de empregada sentando na mesa dos patrões?

Val representa aquela que está sob as ordens de seus patrões. Submissa, não questiona nenhuma das ordens dadas por eles (e é interessante perceber que tais ordens são dadas em um tom ameno, confundindo-se com meros pedidos); essa rotina alienada, em que troca sua força de trabalho por um salário – dinheiro esse dedicado à criação de Jéssica -, é quebrada com a chegada da filha questionadora, uma personagem-chave na trama.

Jéssica: eu tive um professor de história muito bom, ele questionava tudo e abriu a nossa cabeça para as coisas do mundo.

O primeiro choque dela vem ao descobrir que a mãe mora no emprego. A partir daí, passa a quebrar as “regras” patrão-empregada presentes no ambiente de trabalho da mãe, fazendo questão de demonstrar que não é diferente de Bárbara, Carlos ou Fabinho ao sentar na mesma mesa que a deles, tomar o sovete mais caro e julgar a arquitetura da casa sem medo de ser considerada petulante. Em um momento, ao ser repreendida pela mãe, Jéssica lança sua melhor fala: “Eles não são meus patrões!”.

Imagem: Gullane / África Filmes / Globo Filmes / Pandora Filmes, 2015

Imagem: Gullane / África Filmes / Globo Filmes / Pandora Filmes, 2015

Bárbara: her precious daughter is back.

Se Jéssica é aquela que faz ruir a harmonia existente antes na casa, Bárbara é o ponto fraco no elo que está prestes a quebrar. Representante daqueles novos-ricos, a personagem tenta disfarçar o desprezo que nutre pela filha da empregada e, em um nível mais contido, pela própria Val. Uma das melhores cenas do longa é a entrega de um presente que Val compra para a patroa (um jogo de xícaras e garrafa térmica); tentando, sem muito sucesso, parecer surpresa e feliz pela escolha de Val, Bárbara irá mostrar seus verdadeiros sentimentos em relação ao presente em uma cena posterior, durante uma festa que ocorre na casa – outro momento-chave do filme. Mas o mais notável, em termos de narrativa e composição de personagem, é quando, no primeiro dia de Jéssica como hóspede na casa, Val não acorda no horário e os papeis se invertem: Bárbara precisa preparar seu próprio café da manhã e, contrariada, acaba “servindo” Jéssica, sentada na mesa da cozinha, à espera de uma referição. Uma inversão extremamente interessante ao observarmos uma resistência contida por parte da patroa e uma tranquilidade sem culpa no semblante de Jéssica. Uma catarse adorável. A essência da personagem, no entanto, é mostrada em uma situação quando Val pede abrigo à filha por mais alguns dias e, para que a empregada não entenda o nojo e desprezo que ela sente, diz o que realmente pensa sobre a situação para o marido usando uma frase, irônica, em inglês.

Carlos: todo mundo dança, mas sou eu quem bota a música.

Apesar de ser um personagem quase periférico nas cenas em que Bárbara aparece, o patrão parece estar sempre disposto a tratar a filha de Val de maneira igualitária – mas não se engane: quem deve retirar os pratos da mesa, inclusive os da própria filha, é Val; tudo, no entanto, na base da boa e velha educação, sem ordens explícitas. A certo ponto, ele confidencia a Jéssica que a verdadeira renda da família vem de uma herança paterna: daí o nosso julgamento, é claro, recai sobre a esposa, dona de um nariz em pé e uma expressão de nojo características daqueles que precisam ostentar materialmente o que quer que seja em busca de um substituto para o vazio presente em seu interior.

Imagem: Gullane / África Filmes / Globo Filmes / Pandora Filmes, 2015

Imagem: Gullane / África Filmes / Globo Filmes / Pandora Filmes, 2015

Que Horas Ela Volta? é um colírio entre tantos exemplares nacionais descartáveis lançados a rodo atualmente. É preciso reconhecer ali um talento em conjunto: de Anna Muylaert e sua equipe, cuidando de maneira excepcional da parte técnica e narrativa do longa; mas também do elenco, afinado e trabalhando de forma a passar em tela situações vividas de forma tão comum no dia-a-dia brasileiro. O preconceito presente na personagem de Bárbara não é nada além do que a opinião de uma massa populacional ascendente que, quando se sente acima de outro ser humano, não mede esforços em deixar claro a diferença que ali se cria por causa de dinheiro e status. Se o sucesso da filha da empregada nos estudos incomoda tanto a classe média-alta, não é somente porque ela pensa que filha de empregada é burra e não tem oportunidade… a classe média-alta se assusta ainda mais quando percebe que filha de empregada também é capaz de pensar e, principalmente, questionar.

Pôster: Moovie, 2015

Pôster: Moovie, 2015

Que Horas Ela Volta?, dirigido e escrito por: Anna Muylaert.

Com: Regina Casé, Michel Joelsas, Camila Márdila, Karine Teles, Lourenço Mutarelli.

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Divertida Mente

Steve Jobs decidiu investir no sonho de John Lasseter quando viu que ele e sua equipe eram obcecados por detalhes na produção de seus pequenos filmes, assim como o fundador da Apple era com seus produtos. Com a ajuda monetária do manda-chuva da Maçã, a Pixar lançou-se no mercado com Toy Story (1995), lá nos anos 90. E o sucesso foi estrondoso. Lançamento após lançamento, o pequeno estúdio foi tomando proporções gigantescas, alimentando parcerias e discussões com outro gigante do ramo: a Disney. Nessa história de rivalidades, a velha estratégia do “o inimigo do meu inimigo é meu amigo” acabou juntando ambas as empresas; afinal, é melhor dividir lucros do que perder para alguém que até outro dia sequer existia.

Talvez o principal elemento para tanto sucesso como o da Pixar vem de uma solução aparentemente simples, mas nem um pouco fácil: seus filmes, desde o início, prezam por contar histórias de pontos de vista distintos, inusitados. Temos o drama da existência a partir da visão de brinquedos em Toy Story; o sofrimento de viver sob um regime autoritário pelos olhos de formigas em Vida de Inseto (A Bug’s Life, 1998); a rotina exaustiva do trabalho dos monstros ao precisar assustar crianças do mundo todo em Monstros S. A. (Monsters Inc., 2001) e, uma das mais audaciosas (e belas) de todas, a apreciação e poesia da culinária por um… rato. Isso, um rato. Em Ratatouille (2007), a Pixar subverteu a ideia de que o animal visto como um dos mais nojentos pelo ser humano seria capaz de ajudar alguém na cozinha.

Imagem: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures, 2015

Imagem: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures, 2015

É claro que a filmografia de um diretor ou, no caso, um estúdio não é perfeita. A Pixar também criou pérolas (no mau sentido) como Carros (Cars, 2006) e Valente (Brave, 2012). É preciso aplaudir de pé os magos da computação gráfica comandados por Lasseter que criaram cada fio de cabelo da heroína Merida; mas é difícil suportar um filme tão… Disney como é Valente, com direito a cantorias sem fim e uma história bem batida. Se a Pixar fazia sucesso era justamente por se distanciar da fórmula Disney ao contar suas histórias, com as crianças rindo do humor físico e de personagens alívio-cômico em cada filme e seus pais se divertindo com as referências inteligentes a outros filmes. Sem contar que os roteiros do estúdio emocionam uma pessoa de qualquer idade, seja acompanhando a amizade improvável entre um senhor rabugento e um escoteiro pentelho ou admirando a beleza muda do amor entre um robô depressivo e uma máquina moderna, curvilínea e flat chamada EVA.

A boa notícia, porém, é que a Pixar parece ter retomado o espírito que tomou conta de boa parte de sua existência lançando agora seu mais novo longa: Divertida Mente (Inside Out, 2015). Aquela fórmula de contar uma história, qualquer que seja, através de uma ótica peculiar e emocionante é trazida de volta agora ao acompanharmos a rotina de uma garota de onze anos chamada Riley. A diferença, no entanto, é que, além de conhecermos para onde Riley e seus pais irão morar depois de uma mudança repentina, sua nova casa, sua nova escola, observamos tudo isso de dentro de sua cabeça. Sim, os astros principais de Divertida Mente são as emoções humanas: a Alegria, a Tristeza, o Medo, a Raiva e o Nojinho. E é por causa dessa ótica que o novo longa-metragem da Pixar parece tanto com a Pixar oldschool: está ali o humor físico para as crianças, mas também se faz presente a beleza da inventividade do roteiro ao ser mostrado cada “setor” da mente de Riley, com corredores labirínticos de lembranças, ilhas (literalmente) de personalidade, um trem (também literal) do pensamento e um local próprio para a produção de sonhos – e aí adivinhem: sim, claro, o lugar é um estúdio de cinema.

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Imagem: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures, 2015

John Lasseter já admitiu diversas vezes que uma de suas grandes influências sempre foi o mestre animador japonês Hayao Miyazaki, responsável por nada menos que Meu Amigo Totoro (Tonari no Totoro, 1988), Princesa Mononoke (Mononoke-hime, 1997) e, seu mais famoso aqui no Ocidente, A Viagem de Chihiro (Sen to Chihiro no Kamikakushi, 2001). Essa influência é muito visível em Divertida Mente, principalmente porque o filme não preza por sequências frenéticas de ação, muito menos busca um humor barato a qualquer custo para ganhar a atenção do público infantil: o filme, logo de início, foca seus esforços na construção adequada da história. O roteiro apresenta personagens esféricas, completas, algo que já afugenta a perigosa possibilidade de se cair em protótipos, já que a intenção principal é mostrar a vida de uma menina através de suas emoções. Assim, a principal beleza de Divertida Mente é provar para o espectador que mesmo a Alegria sendo responsável pela, obviamente, alegria de Riley, ela pode – e muito -, aprender com a Tristeza. Essa personagem, inclusive, possui um dos arcos dramáticos mais poéticos do filme (é difícil não se emocionar com o pensamento de que nós, como seres humanos, precisamos também da tristeza).

E é assim, a partir de pequenos detalhes tanto imagéticos – a Pixar também continua sendo um estúdio que preza por detalhes técnicos, explodindo nossas visões com cenários muito bem construídos – quanto narrativos: em dado momento, há dois empregados responsáveis por apagar lembranças inúteis da mente de Riley escolhendo quais serão descartadas naquele dia; eles, então, decidem por eliminar os nomes das princesas Disney! E quando a Alegria tenta argumentar contra, não há motivos razoáveis para manter tais dados. Essa alfinetada soa tão apropriada para os dias atuais (ainda mais quando o próprio estúdio busca mudar a imagem de suas princesas como ocorreu no sucesso estrondoso de Frozen) como a piada mais do que bem-vinda sobre aqueles comerciais que insistem em tocar em replay em nossas cabeças. É de tudo isso que o público fã da Pixar sentia falta: a união entre a beleza técnica de uma animação gerada por computador com as peças encaixadas organicamente em um roteiro coeso, capaz de gerar riso e, ao mesmo tempo, lágrimas em um piscar de olhos, nunca soando maniqueísta.

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Imagem: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures, 2015

Se a tendência, daqui para frente, seguir esse ritmo apresentado em Divertida Mente, então é seguro afirmar que o estúdio voltou a andar sobre trilhos seguros e anda visitando estações boas do passado. Enquanto Carros apelava demais ao público infantil, apresentando até personagens caricatos (o campeão arrogante, o caipira humilde e engraçado e etc…), a Pixar de agora volta a desenvolver personagens que derrubam esses protótipos, demonstrando ser pessoas – ou, no caso, emoções – repletas de desdobramentos. Pois sim: as emoções também tem emoções, e é poético ver a Alegria chorando ao se encontrar em uma situação aparentemente sem saída ou a Tristeza dando um leve sorriso ao notar que, sim, ela também é útil, e bastante, para um ser humano. Seja ele uma menina de onze anos, um escoteiro pentelho ou um velho rabugento.

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Imagem: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures, 2015

Nota: o curta-metragem da vez que é exibido antes do filme chama-se Lava e também é poético, sensível e belo. Uma complementação muito agradável ao longa.

Pôster: BLT Communications, 2015

Pôster: BLT Communications, 2015

Inside Out, dirigido por: Pete Docter; escrito por: Pete Docter, Meg LeFauve, Josh Cooley.

Originalmente com as vozes de: Amy Poehler, Phyllis Smith, Richard Kind, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kalling, Kaitlyn Dias.

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Jurassic World: o mundo dos dinossauros

Se o deslumbramento era a primeira reação dos visitantes no primeiro Jurassic Park (1993), mesmo que esses visitantes fossem as cobaias – paleontólogos, cientistas e um advogado para completar o time -, essa sensação se intensifica agora, vinte e dois anos depois, com o parque jurássico realmente aberto ao público. A questão, no entanto, que vem a calhar, é se os responsáveis pelo empreendimento aprenderam com os erros do passado. Aparentemente, a resposta é positiva. O Jurassic Park agora é Jurassic World e, diariamente, recebe mais de vinte mil pessoas desejosas por dentes, garras e rugidos.

Imagem: Universal Pictures, 2015

Imagem: Universal Pictures, 2015

Assistir Jurassic World é um teste de nostalgia para aqueles que passaram a infância se emocionando com as aventuras dirigidas por Steven Spielberg lá nos idos dos anos 90. O novo filme da franquia traz à tona diversos momentos que remetem ao original: está lá a perseguição composta por velociraptors sedentos por criancinhas indefesas (alguém se lembra de uma certa cena em uma cozinha?), assim como uma angustiante sequência em que o dinossauro alfa da vez – uma criação louca de laboratório, claro – enclausura os irmãos dentro de uma redoma de vidro (retomar a cena de outros dois irmãos encurralados por um T-Rex em um jipe não é mera coincidência). Essas referências não soam forçadas, porém; são inclusões orgânicas à trama de Jurassic World, e funcionam bem nela.

Para sustentar a história, inclusive, o mocinho da vez é nada menos que Chris Pratt. Se a presença do ator é crucial para Guardiões da Galáxia, por exemplo, aqui ele encarna o treinador de animais (ou melhor, de dinossauros) Owen da forma mais Indiana Jones possível, com momentos para piadinhas, humor físico e atos de bravura, obviamente. Para dar equilíbrio, complementando as características da personagem, o roteiro escrito a oito mãos (sim, assustador, mas soa pior do que realmente é) traz a responsável pelo parque, Claire, interpretada por Bryce Dallas Howard. É interessante notar que, apesar de acompanhar diversos núcelos de acontecimentos durante a projeção, Howard mantém uma atuação que pode até parecer forçada, mecânica, no começo; mas é a parceria entre sua personagem com a de Pratt que faz as coisas caminharem bem, passando de momentos mais dramáticos para outros de puro humor, salpicados por diálogos e cenas de tensão. Enquanto um representa o olhar a favor dos animais do parque, a outra precisa equilibrar essa visão com a relação que mantém com o parque como empresa – sem dinheiro ele não existe, afinal.

Imagem: Universal Pictures, 2015

Imagem: Universal Pictures, 2015

Da mesma forma que Claire necessita criar uma relação com Owen, a moça precisa acompanhar a visita dos dois sobrinhos: Gray, o mais novo (interpretado por Ty Simpkins), e Zach, o maior (interpretado por Nick Robinson). Gray é a personagem da vez que sabe os nomes de todas as espécies de dinossauros, calculando até a quantidade de dentes necessária para se derrotar uma das bestas colossais, enquanto o irmão mais velho está mais interessado no celular e nos exemplares do sexo oposto que estão nas filas das atrações. Se no primeiro filme tínhamos irmãos sem a presença de figuras paternas, substituídas pelos paleontólogos, aqui vemos os pais… que estão em processo de divórcio. Claire, a tia, é a responsável por manter essa ligação familiar, tirando apenas o detalhe de que ela não vê os sobrinhos há sete anos.

O público, então, acompanha essas quebras de ligações entre as personagens. Quando se unem uns aos outros, é por forças maiores, como a fuga do dinossauro projetado em laboratório que tecnicamente não deveria escapar (ou melhor, não deveria existir) ou quando o buraco na cerca convida para um passeio clandestino que não vai, claramente, resultar em um bom negócio. Daí vem as cenas de ação do longa, bem dirigidas por Colin Trevorrow. O diretor varia entre tomadas aéreas e câmeras ágeis, ora agilizando na correria, ora aumentando a tensão e o suspense com planos-detalhes bem executados.

Imagem: Universal Pictures, 2015

Imagem: Universal Pictures, 2015

Uma questão a se pensar é sobre essa ânsia em querer tudo maior, melhor e mais barulhento tanto em relação ao público do parque, quanto do próprio empresário (interpretado por Irrfan Khan). Em vários momentos, Claire justifica a existência da fêmea Indominus rex dessa maneira: criamos esse dinossauro colossal e terrivelmente perigoso porque nossos visitantes são exigentes. Mas então é isso? O público quer sempre mais… e é só juntar com a ganância egocêntrica de uma empresa detentora de um laboratório de ponta para que dê certo? Obviamente o controle não existe, não importa quantos metros de altura as paredes de uma cerca têm ou se a tecnologia pode implantar um chip capaz de rastrear e dar choque no animal se ele transgredir limites. Como diria Ian Malcolm, talvez o melhor personagem de Jurassic Park: “a natureza sempre encontra um meio”. E esse meio pode não ser o mais bonzinho.

Imagem: Universal Pictures, 2015

Imagem: Universal Pictures, 2015

Jurassic World vai unir, de forma natural, essas questões éticas e um tanto mais profundas com um teor mais aventuresco, mais terror durante toda a trama. Há espaço para o deslumbramento em si (a cena do dinossauro aquático se alimentando de um tubarão em frente ao público é de encher os olhos), para a tensão (o Indominus rex perseguindo meio mundo durante todo o filme) e até para gags visuais (a pata da pomba no início da projeção). Para os saudosistas, há ainda tempo para relembrar velhos cenários tomados pela floresta – afinal, são vinte e dois anos – ao som de um piano triste tocando o tema composto por John Williams. É um filme que poderia levar a história para muitos erros (vide Jurassic Park III, 2001), mas que se mantém dentro de um roteiro seguro e de uma direção que não peca por excessos. Se há algo dispensável em Jurassic World é seu 3D, vergonhosamente convertido e unicamente caça-níquel. De resto, o filme é um belo convite para as novas gerações sedentas por tudo melhor, maior e mais barulhento. E bota barulho nisso.

Pôster: BOND, 2015

Pôster: BOND, 2015

Jurassic World, dirigido por: Colin Trevorrow; escrito por: Rick Jaffa, Amanda Silver, Colin Trevorrow, Derek Connolly.

Com: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Ty Simpkins, Nick Robinson, Irrfan Khan, Omar Sy, BD Wong.

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